« Alfonse, Paul et les autres, artiste solo au nom collectif, exploite le potentiel plastique de cette identité en tension. De la frontalité des images pornographiques d’Alfonse Dagada à la mièvrerie lénifiante des reproductions de chats de Paul Martin, du milieu underground à la société de consommation, cette oeuvre fortement contrastée mobilise des imaginaires antagonistes, dont l’artiste cherche à révéler le même conformisme sous-jacent. En empruntant ses modèles aux représentations consensuelles trouvées sur Internet (les clichés érotiques, touristiques ou naturalistes), Alfonse, Paul et les autres met en question la façon dont le partage massif d’une imagerie synchronise les projections individuelles et annule l’expression de leurs singularités. » — Florian Gaité

Ruchi Anadkat est artiste plasticienne et performeuse. Elle travaille entre la France et l’Inde. Ses recherches en tant qu’artiste se développent autour de la relation entre l’image et la danse, le regard du/de la plasticien·ne sur la danse, celui du/de la danseur·euse sur les arts visuels.

Martin Deknudt est un jeune graphiste-hacker fraîchement diplômé d’école d’Art et de Design. Son travail s’oriente vers la question des outils numérique, de l’open source et de la culture libre. Il clôt ses quatre années d’études en présentant un travail de recherches et de production qui traite de réappropriation collective. Il fonde Make different, un laboratoire de recherches et de créations d’outils open hardware pour la création graphique. En 2019, il co-fonde, avec Anaïs Vranesic, G R G, un studio de design graphique dans un garage.

« L'art de David Droubaix vient à propos en cette ère de post-vérité, où les médias sont accusés de produire de faux messages et où les théories du complot abondent. Son travail explore les difficultés à discerner la croyance de l'incrédulité, la certitude du doute, la confiance de la suspicion, à distinguer le fait d'être sûr et celui d'être sceptique. » — Frank Lubbers

Comme autant d’anti-fétiches du monde industriel, les oeuvres d’Aurélien Maillard dévoilent les liens de filiation qui unissent les objets de culte aux artefacts contemporains. Empruntant la voie d’un retour à la matière concrète, dans le sillage du constructivisme russe, du Bauhaus ou de la sculpture minimaliste américaine, le plasticien démystifie l’objet d’art au profit du handmade, rappelant l’oeuvre à son étymologie ouvrière. Ni objets sacrés, ni marchandises standardisées, les réalisations d’Aurélien Maillard contrarient ainsi les investissements symboliques attendus et font valoir une esthétique de l’ambivalence, située entre architecture iconoclaste et minimalisme punk.

L’image photographique est au centre de la pratique de Fabien Marques. Ses travaux résultent d’un profond intérêt pour la beauté de l’ordinaire, l’esthétique du banal. Explorant des endroits qui n’attirent généralement pas l’attention, il opère entre les frontières indéfinies du document et de l’art en représentant le plus souvent un espace dépourvu de représentation humaine. Cette absence suggère la présence, créant un point de rencontre entre les forces expressives, techniques et sociales de l’image. Ses travaux sont souvent issus de recherches historiques, scientifiques et visuelles, et explorent le plus souvent des territoires marqués par des histoires invisibles.

Usant de divers protocoles afin de susciter la rencontre, par la dérive ou l’invitation, Élodie Merland à la recherche d’espaces de possibles afin d’en prendre possession pour un temps et offrir de nouvelles vues à contempler, pointer du doigt des détails et des anecdotes. Sa démarche, à l’allure parfois conceptualo-romantique, est une invitation à se confronter au réel. Le vrai. L’anodin, l’insignifiant, l’inintéressant, le dérisoire. Cela demande au/à la spectateur·rice d’être suffisamment attentif, de ressentir le temps, d’être à l’écoute du silence, d’accepter d’être dans l’attente. De manière poétique et non sans humour, par la photographie, la vidéo, le son, l’installation, la performance et notamment le texte au travers des langues, elle propose des écritures et puis des gestes. Les résultats prennent généralement la forme de traces, passages de vies ou preuves de création.

Melissa Ryke travaille entre la France et l’Australie. Elle développe une pratique expérimentale et hybride, travaillant la vidéo, le son, le texte, le dessin et l’installation. Associées à sa pratique, ses recherches portent sur la reconstruction de nos expériences à travers l’image en mouvement et le son.

Anaïs Vranesic est une jeune graphiste tout droit sortie de deux écoles supérieures d'art et de design. Animée par la question du militantisme actuel, elle questionne l'image et la communication au travers de la lutte. Le travail d'Anaïs Vranesic navigue entre engagement, éducation et recherches. Dans une esthétique à la fois brutale et poétique, elle est animée par l'univers de textures et d'images dans lequel baigne chacun de nos corps. Cet univers n'est qu'une pensée exhaustive d'un monde où le noir et blanc transforme la vision d'un monde saturé de couleurs, par la poésie des textures. Elle crée en 2019 G R G avec Martin Deknudt.

Jacob Bray est créateur et chorégraphe de théâtre et de danse contemporaine. Il s’intéresse aux questions d'autonomisation des femmes, la vie nocturne, l’égalité, sans restrictions de style ou de genre.

Dans ses performances et installations, Claire Orme met à profit ses compétences de pianiste et de violoniste pour étudier les contours narratifs des espaces et des objets. Une grande partie de son travail est axée sur la recherche. Elle puise dans des archives et des entretiens pour nourrir son travail autour de l’histoire des zones rurales et urbaines.

Tomas Poblete est un artiste et commissaire. Tomas Poblete a une vision et une approche curatoriale qui juxtapose les cultures élitistes et populaires, et apporte son dynamisme créatif à l’équipe de HPCT20 (Folkestone). Selon ses propres termes, « nous sommes à la lisière de quelque chose qui peut être formidable et qui promet d’influer un changement dans un secteur souvent considéré comme exclusif. Je voudrais croire que ce que nous faisons changera, dans une moindre mesure, la façon dont les communautés locales perçoivent l’art. »

Edward Sanders est artiste et commissaire d’exposition. Dans sa pratique artistique, il crée des objets en utilisant du bois, de la peinture et des photographies. Néanmoins, il s’intéresse à éviter toute catégorisation dans le domaine de l’art. Il ne considère pas ses créations comme des oeuvres d’art mais plutôt comme des objets appartenant au monde, une matière accessible à tou·te·s et ouverte à l’interprétation.

Artiste et musicien, Dan Scott vit et travaille à Margate. Dan Scott combine l’installation, la performance, les pratiques sonores et socialement engagées et a été exposé à la Tate Modern, le pavillon De La Warr, Turner Contemporary et à la biennale de Whistable. Il a récemment réalisé avec l’artiste Tom Adams un bateau-théâtre à partir d’un ancien bateau de pêche, qui fut déplacé dans la rue principale de la ville industrielle et portuaire de Stockton-on-Tees et repensé comme un lieu de discussion et de commémoration d’une communauté de pêcheurs disparue.

Architecte, commissaire, artiste, enseignante… Il est difficile de catégoriser la pratique de Nina Shen-Poblete. Elle traverse les frontières disciplinaires pour libérer leur potentiel caché et motiver la créativité. L’inconnu et l’inattendu sont des éléments essentiels du processus. Née en Chine et ayant grandi au Royaume-Uni, Nina Shen-Poblete fait partie d’une génération qui a connu des transitions économiques, sociales et culturelles rapides et l’essor technologique. Son éducation multiculturelle et bilingue lui a donné les compétences nécessaires pour naviguer à travers des situations complexes et a facilité une ouverture et une empathie avec « l’autre ». Shen-Poblete a co-fondé HPCT20 pour créer un espace alternatif qui libère les plasticien•ne•s des limites du travail isolé des disciplines spécialisées.

La pratique de Holly Slingsby s’inscrit principalement dans la performance et l’utilisation d’accessoires, de costumes et de vidéos. Ses travaux les plus récents explorent le corps féminin en le confrontant à des mythes sur la fertilité et la médecine. Holly Slingsby réinvente la représentation de personnages mythiques en proposant, de manière ludique, d’incarner ces personnages comme une sorte d’invocation. Elle s’appuie pour cela sur une profusion d’images, historiques ou contemporaines, de l’art pour créer son propre langage visuel, irrévérencieux certes mais incitant néanmoins à la réflexion des spectateur·rice·s.

Sara Trillo a initialement suivi une formation de peintre et a beaucoup exposé au Royaume-Uni et en Europe. Il y a trois ans, elle est devenue professeure associée de l’Open School East à Margate, ce qui l’a aidée à recentrer sa pratique et ses recherches, et à envisager d’autres processus autour de la fabrication. Son travail est aujourd’hui principalement sculptural, bien qu’elle continue à développer de nouvelles techniques en peinture, et utilise l’estran de marée et les paysages submergés comme une zone d’examen. Des projets récents ont inclus des résidences financées en Allemagne et à Chypre, utilisant des sites côtiers comme un stimulant pour sa production.